FAX U!

A Janis Joplin (Fragmento) - Alejandra Pizarnik

2011-11-19T20:42:00.000-08:00

A cantar dulce y a morirse luego no:
a ladrar
así como duerme la gitana de Rousseau
así cantás,
más las lecciones de terror
hay que llorar hasta romperse
para crear o decir una pequeña canción,
gritar tanto para cubrir los agujeros de la ausencia
eso hiciste vos, eso yo
me pregunto si eso no aumentó el error
hiciste bien en morir
por eso te hablo,
por eso me confío a una niña mostruo.

¿Quién fue Alejandra Pizarnik?

Flora Alejandra Pizarnik nació el 29 de abril de 1936 en Buenos Aires, Argentina. Estudió Filosofía y Letras en la Universidad de Buenos Aires y pintura con Juan Battle Planas. Vivió en París desde 1960 hasta 1964, en donde trabajó para la revista Cuadernos y algunas editoriales francesas, publicó poemas y críticas en varios diarios, tradujo a Antonin Artaud, Henri Michaux, Aimé Cesairé e Yves Bonnefoy, y estudió historia de la religión y literatura francesa en la Sorbona. Al volver a Buenos Aires, publicó tres de sus principales volúmenes "Los trabajos y las noches", "Extracción de la piedra de locura" y "El infierno musical", así como su trabajo en prosa "La condesa sangrienta". En 1969 recibió una beca Guggenheim, y en 1971 una Fullbright. Es una de las poetas más importantes de Argentina. Realizó su obra siendo una de las voces más representativas de la generación del '60. Su poesía, lírica, que roza el surrealismo fue una de las que más marcó a las posteriores generaciones poéticas de este país. Alejandra Pizarnik trabajó en su poesía las tradiciones románticas, simbolistas y surrealistas. Su poesía se encargó de poner en escena lo desgarrador del silencio creativo, abriendo una puerta para las nuevas mujeres poetas, para trabajar sobre ese material. El 25 de septiembre de 1972, mientras pasaba un fin de semana fuera de la clínica psiquiátrica donde estaba internada, falleció de una sobredosis intencional de seconal.

"I can hear music". Su historia

2011-08-16T13:41:00.000-07:00

"I Can Hear Music" es una canción de pop escrita por Jeff Barry, Ellie Greenwich y Phil Spector, originalmente hecha para el grupo The Ronettes en 1966.

Más tarde fue el grupo The Beach Boys (en el cual Brian Wilson conocía a Phil Spector), realizó su propia grabación de esta canción en 1969, la cual fue puesta en el álbum 20/20, y también por Larry Lurex (mejor conocido como Freddie Mercury) en 1973.

Versión de The Beach Boys

El estilo de los instrumentos típicos de orquesta en "I Can Hear Music" es el típico estilo de las producciones de Phil Spector, de antes que se retire del negocio de la música. Excepcionalmente, a veces es considerada como una canción de música surf en lugar de un Waal sound o un Brill Building, ya que tuvo una versión de The Beach Boys para convertirlo en un éxito considerable.

Originalmente, la canción fue lanzada por The Ronettes, su sencillo llegó al puesto n.º 100 a finales de 1966. Melódica y lírica, que era casi tan fuerte como algunas otras canciones de Phil Spector, The Ronettes había producido éxitos mucho más grandes como "Walking in the Rain" y "Do I Love You". La versión de The Ronettes paso desapercibida, quizás porque para el momento en que la canción fue publicada ya estaba fuera de moda. "I Can Hear Music" era prácticamente desconocida hasta que fue grabada por The Beach Boys. En ese momento, el conjunto se encontraba luchando contra problemas económicos, en gran parte porque su líder, Brian Wilson se había retirado al igual que Spector. Por ello The Beach Boys buscaron material desconocido y más fresco, y pareció buena idea una canción con la calidad de Spector. Se puede considerar que The Beach Boys hicieron un trabajo mejor con la canción de The Ronettes, al poner un poco más de energía. Carl Wilson, quien había sido un vocalista subestimado ocupo un lugar excelente, interpretando una voz bien alta, los Beach Boys ayudaron a hacer la canción con su propia marca especial de armonías vocales. "I Can Hear Music" entró en el Top 30, en un momento en que realmente necesitaban uno y, de hecho, sería su último Top 40 durante más de cinco años.

Sencillo

La versión de la banda estadounidense The Beach Boys tiene a Carl Wilson como líder vocal de la canción. El sencillo fue publicado el 24 de febrero de 1969, el lado B del sencillo fue "All I Want to Do", canción cantada por Dennis Wilson. Alcanzó el puesto n.º 24 en los Estados Unidos, el puesto n.º 10 en el Reino Unido y el puesto n.º 11 en Nueva Zelanda.

Con Brian Wilson, cada vez más lejos de la producción de canciones para la banda, por problemas de adicciones con las drogas, su hermano menor, Carl Wilson, tuvo que tomar el papel de Brian en la banda, tanto como productor, o como líder.

En 1996, The Beach Boys realizaron una nueva versión de esta canción, con la solista contemporáneo Kathy Troccoli en la voz principal, y los otros "beach boys" en el coro. El sencillo de esta versión alcanzó el puesto n.º 16 en Adult Contemporary Charts.

Versión por Freddie Mercury

La versión de "I Can Hear Music", realizada por Freddie Mercury, se compiló en el álbum Lover of Life, Singer of Songs — The Very Best of Freddie Mercury Solo, un álbum de conmemoración por el fallecimiento del artista. Este álbum salió a la venta el 24 de noviembre de 2007, conmemorando el 61º cumpleaños de Mercury, y el 16º aniversario de su muerte.

Esta canción también se compiló en el álbum The Singles 1973 - 1985, el cual recopila todos los sencillos de 1973 hasta 1985. Entre los cuales se encuentran: "Love Kills" compuesta para Metrópolis, Stop All The Fighting y Made In Heaven.

Versión The Ronettes

Versión The Beach Boys

Versión Freddie Mercury (como Larry Lurex)

Mozart y las funciones armónicas

2011-06-17T20:07:00.000-07:00

Unos videos interesantes en donde se juega con las funciones armónicas y sus sensaciones. ¡Qué los disfruten!.

Piano sonata n° 16 en C, K. 545, 1er. movimiento (Allegro)

Concierto para piano y orquesta n° 23, 2° movimiento

Requiem de Mozart (K. 626), n° 7: Lacrymosa

Selling England by the Pound - Genesis

2011-01-27T17:28:00.000-08:00

Les presento un disco que descubrí recientemente gracias a un amigo y es "Selling England by the Pound" de Genesis.

La verdad es que, sí, pasé varios años de mi vida negada a Genesis porque simplemente no me gusta Collins pero encontré en la etapa Gabriel algo extraordinario que me llenó de vida.

La pieza que destaco por sobre toda la obra que es maravillosa es "Firth of Fifth" que prioriza más que nada la parte musical que las partes cantadas. Es orgásmica.

CLICK AQUI para descargar el disco

Aquí los dejo con información que encontré acerca del disco:

Selling England By The Pound es el sexto álbum del grupo inglés de rock progresivo Genesis y el quinto en estudio, fue grabado y lanzado en 1973. El título significa en español "Vendiendo Inglaterra al peso", aunque la propia discográfica tradujo incorrectamente el título en la carpeta por "Vendiendo Inglaterra por una libra". Fue el mayor éxito comercial de la banda con Peter Gabriel, llegando al puesto #3 en los rankings del Reino Unido. Posteriormente se convertiría en disco de oro en EE. UU. en el año 1990.

Sinopsis

Aunque Selling England By The Pound es descrito por la banda como un álbum de altos y bajos, produjo varias canciones clásicas que han estado en el repertorio de Genesis desde que el álbum fue grabado hasta la última gira de 2007. En este álbum, Tony Banks hace uso por primera vez de los sintetizadores electrónicos, demostrado en la obra maestra "Firth Of Fifth", la cual tiene una magnífica introducción de piano y que lamentablemente fue cortada en las interpretaciones en vivo de la canción, luego de la gira de este álbum.

El álbum también contiene lo que la banda considera ser su primer éxito comercial, la canción "I Know What I Like". Por su parte, la canción "More Fool Me" además de ser una de las pocas canciones de Genesis que no incluye teclados o piano ("Happy The Man" es otro ejemplo), es la única canción del álbum en la que Phil Collins deja las baterías para hacer las partes vocales, siendo la primera canción del grupo en la que Collins cantó en vivo.

La canción de cierre "After The Ordeal" es una hermosa obra, que da un adelanto de cosas que vendrían más adelante de parte de Steve Hackett. Además, "I Know What I Like" tenía el potencial de ser un éxito mucho mayor del que realmente fue. El grupo estaba haciendo un video promocional de la canción para el programa "Top of the Pops" de la televisión británica, pero no estuvieron satisfechos con la calidad del video y nunca fue mostrado.

El álbum en si mismo es considerado por muchos como el disco más representativo del período de Peter Gabriel en el grupo. Es un disco que sintetiza todo los avances sonoros de la banda. La batería de Collins en "I know what like" y en "Cinema Show", la voz vibrante y emotiva de Gabriel en el comienzo de "Dancing with the moonlit knight" o la guitarra virtuosa de Hackett en "Firth Of Fifth" hacen de este, un disco memorable.

Sin embargo, un lugar especial ocupan las preciosistas atmósferas de los teclados de uno de los mayores genios del órgano, piano y sintetizadores: Tony Banks. Letras sugerentes, metafóricas en canciones de claro carácter sinfónico. La música de Génesis seduce con delicados episodios instrumentales en donde sobresalen el dominio asombroso de cada instrumento y, lo más importante, su perfecta conjunción.

Una versión remasterizada digitalemente fue lanzada en CD en el año 1994 por la discográfica Virgin en Europa y por Atlantic Records en EE. UU. y Canadá. Esta versión remasterizada incluye los créditos y las letras de las canciones que no se encontraban presentes en la edición original en CD. Un disco doble SACD / DVD (incluyendo nuevo sonido 5.1) ha sido lanzado en el Reino Unido el 11 de Noviembre del 2008, incluye extensas entrevistas con la banda y ofrece material filmado en conciertos durante los años 1973-74.

Portada

En este álbum la portada no estaría diseñada por Paul Whitehead, como en los tres álbumes de estudio anteriores, sino que imcluiría una pintura de Betty Swanwick llamada "El Sueño". La pintura original no incluía una cortadora de césped, Swanwick la agregó posteriormente como una alusión a las letras en la canción "I Know What I Like (In Your Wardrobe)".

Además, el título del álbum es una referencia británica, originado en el eslogan utilizado en el manifiesto laborista en Londres para las elecciones generales celebradas antes de que el álbum fuera lanzado. A Gabriel le gustó tanto esta frase que obviamente decidió escribir una canción acerca de esto, "Dancing With The Moonlit Knight". Según Gabriel, también hay una segunda razón para esta elección: "Eramos conscientes en ese momento de que estabamos siendo criticados en Inglaterra por inclinar el contenido de nuestro material hacia América, por eso parcialmente yo quise este título".

Temas

1. Dancing With The Moonlit Knight

2. I Know What I Like (In Your Wardrobe)

3. Firth Of Fifth

4. More Fool Me

5. The Battle of Epping Forest

6. After The Ordeal

7. The Cinema Show

8. Aisle Of Plenty

Sonido & Conciertos

Las representaciones musicales son mucho más pulidas y firmes que en los álbumes anteriores. Las diversificaciones musicales están más unificadas con la estructura general de la canción. En particular, los solos de guitarra de Steve Hackett en "Firth Of Fifth" muestran su mejor momento de su destreza característica en la guitarra, mientras la canción se inicia con un piano clásico altamente estructurado de Tony Banks. Como en trabajos anteriores, patrones de tiempo inusuales, desplazamiento de notas y ritmos continúan como una clave estructural, y mientras estos aspectos formales no están menos presentes en este álbum, normalmente sirven para apoyar a las melodías de las canciones, más que dominarlas. De hecho, en general el álbum muestra un foco en la melodía como la fuerza unificadora de las canciones, en contraposición a tener un centro musical alrededor de la voz de Gabriel.

Selling England By The Pound contiene muchas piezas que se convertirían en parte central de las actuaciones de Genesis en los años posteriores, particularmente con "Firth Of Fith" y "The Cinema Show", las cuales utilizan poca letra en favor de la composición musical. Estas dos canciones junto con "The Battle of Epping Forest", una canción basada en una guerra de pandillas y colmada de referencias inglesas del lejano pasado, hacen uso intensivo de sintetizadores, introducidos al sonido de la banda en este álbum. "Firth of Fifth" continuo siendo incluida en el repertorio de Genesis, pero la introducción en piano de Banks no ha sido incluida en las actuaciones en vivo de la canción luego de un concierto de 1974 en el teatro "Drury Lane", cuando Banks estropeó la introducción y Collins tuvo que cubrirlo simplemente iniciando la canción luego de la introducción arruinada. El hecho de que la introducción no haya sido incluida en las posteriores actuaciones en vivo, continua decepcionando a muchos fans del grupo.

Composicionalmente, "The Cinema Show" provee el clímax para la segunda mitad del álbum, comenzando con las guitarras acústicas registradas de Rutherford y Hackett, proveyendo el trasfondo para las letras mitológicas, y desembocando en un solo de sintetizador de Banks. Esta sección se convertiría más tarde en el centro melódico de los medleys extendidos que el grupo realizaba en los conciertos como por ejemplo "In The Cage" medley, una combinación de extractos de canciones que Genesis tocaría en vivo años después de dejar de interpretar canciones de los 70, demostrando el rol en aumento de Banks como principal compositor. Estos medleys eran casi una rutina en las actuaciones, ya que al grupo le permitía interpretar la mayor cantidad de canciones y partes musicales en el tiempo que dura un concierto.

Finalizando con los motivos repetidos del principio del álbum, "Aisle Of Plenty" cierra el círculo del álbum en donde comenzó, nostalgia por la antigua Inglaterra. Selling England By The Pound también produjo la canción más corta "I Know What I Like (In Your Wardrobe)", que se convertiría en el primer éxito de Genesis en aparecer en los rankings, llegando al número #21 en el Reino Unido, en abril de 1974.

Más info en: http://es.wikipedia.org/wiki/Selling_England_by_the_Pound

¡Gracias por leernos!. ¡Volveremos pronto con más info musical!.

Time - Electric Light Orchestra

2010-09-20T06:51:00.000-07:00

Lo que siempre me llamó mucho la atención en un disco, además de las melodías y armonías en sus canciones (lo primero que entra a nuestra mente), es la historia que narra, ya sea en una canción o en todo un disco (denominado "disco conceptual" u "ópera rock").
Canciones que llamaron mi atención son miles, letras con historias que te rompen el corazón, letras con historias que cuentan la situación socio-política de una población, temas que hablan de la vida y la muerte, en fin, un sin fin (valga la redundancia) de temas tratados y hablados en canciones.
Ahora, discos conceptuales, claro, son los menos, son aquellos que siempre han llamado mi atención y que quisiera conocerlos mucho más de cerca para saber qué historia es la que me están contando.

Esta vez, decidida por saldar cuentas con uno de ellos, elegí al noveno álbum de la Electric Light Orchestra "Time". Este álbum, con la siguiente lista de temas:

01. Prologue
02. Twilight
03. Your's Truly, 2095
04. Ticket To The Moon
05. The Way Life's Meant To Be
06. Another Heart Breaks
07. Rain Is Falling
08. From The End Of The World
09. The Lights Go Down
10. Here Is The News
11. 21st Century Man
12. Hold On Tight
13. Epilogue

Relata la historia de un hombre que es transportado por viajeros del tiempo hasta finales del siglo XXI. Una vez allí, queda maravillado por las visiones futuristas de la humanidad, pero al mismo tiempo se siente preocupado por el tiempo en el que vivía, donde ha dejado a la mujer que ama. Aunque se le provee una mujer robot, que obedece a todos los mandatos sin cuestionarlos, pronto se da cuenta de que es un pobre sustituto para su verdadero amor, debido a que el robot nunca podrá amar ni él podrá amar nunca al robot. Su deseo de volver al pasado crece cada vez más, y aunque los viajeros del tiempo le comunican que es imposible volver atrás, intenta escaparse usando el equipo de transporte de sus captores. Su prematura huída es seguida por sus captores, y pronto descubre que le habían mantenido en el futuro sólo para ilustrarle el camino seguido por el ser humano durante el último siglo. Finalmente, el hombre es devuelto a su año de origen, 1981.

Para más datos del álbum click aquí

Para no dejarlos con las ganas de escuchar esta master piece, les sugiero que hagan un CLICK AQUI

Y ¿qué más si puedo aportarles una yapa como otro disco de la hermosa ELO?.
Unos álbumes anteriores, salía ElDorado, otro disco conceptual con mucho más arreglos de cuerdas y mucha más orquestación, algo que cualquier músico no debería dejar de escuchar.

Espero que se hayan entretenido bastante con esta nueva entrega.
¡Hasta la próxima!.

¿Qué es el lunfardo?*

2010-01-22T21:16:00.001-08:00

Según define Saussure, el habla es la porción del idioma con la que se manifiesta y expresa el hablante. Aunque, según lo explica José Gobello (presidente de la Academia Argentina del Lunfardo), el habla de Buenos Aires es el producto de reducir a unidad cierto número de vocablos dispersos.

El lunfardo (que en su origen significa “ladrón”) es un vocabulario cuyos términos tienen diverso origen y son utilizados por el hablante de Buenos Aires por oposición a los que le propone la lengua oficial, algo que se adiciona a la porción de términos castellanos usada por el hablante. Esa porción no está compuesta solamente por voces cultas, sino también por términos populares así como por términos inobjetablemente ortodoxos.

El lunfardo no es un idioma, siquiera existe una ortografía lunfarda. Como señaló Gobello, el lunfardo es un nivel de lengua. Oscar Conde (profesor en Letras) afirma en su texto ‘Diccionario Etimológico del Lunfardo’ que en cada provincia Argentina se utilizan en la vida de todos los días sustratos lingüísticos aborígenes, que son argentinismos, pero no lunfardismos.

Los términos de origen quechua o guaraní son considerados lunfardos porque esas palabras, al igual que italianismos, galicismos, también son inmigradas. Retomando a Gobello, como señaló en ‘El Lunfardo’, el lunfardo es un repertorio léxico de Buenos Aires y otras ciudades argentinas y uruguayas, formado por vocablos jergales llevados por la inmigración, que fueron difundidos por el tango, el teatro y la literatura popular, en tanto que otros permanecieron en los hogares de los inmigrantes, y a los que deben agregarse voces aborígenes y portuguesas que se encontraban ya en el habla coloquial de Buenos Aires.

Estos vocablos no son considerados en el terreno académico ni registrados en los diccionarios del español corriente, señala Conde.

El lunfardo, como otras hablas populares del mundo, fue creado por el pueblo al margen de la lengua general, pero básicamente se compone de términos que pertenecen a esa misma lengua.

El lunfardo es uno solo, que se vio ampliado en las décadas sucesivas por medio de palabras provenientes de diversos ámbitos. Desde el mismo momento en que los conquistadores hispanos sentaron pie en las márgenes del Plata se vieron estimulados a sumar al castellano civilizador numerosas voces nativas para poder comunicarse con los habitantes de estas tierras. En plena época colonial el “tú” español había cedido posiciones ante el “vos” criollo. La independencia hizo el resto.

De pronto, la inmigración desembarcó en nuestro puerto idiomas y dialectos del más amplio espectro, que comenzaron a circular por Buenos Aires. Las palabras llegadas con los inmigrantes llevaron al porteño a incluirlas en su habla diaria tal como las oía o transformándolas en ingeniosos cruces con las propias.

Estas palabras que usamos son en su conjunto un modo de ver el mundo, de categorizar la realidad, de entenderla, en resumen, de vivirla. Y sólo nacen cuando el hablante no tiene otras mejores para expresar lo que quiere decir.

*Texto escrito por Sabryna Rey y publicado en la revista "Luciérnaga-Clap".

Schumann: Consejos a los jóvenes estudiantes de música

2009-11-22T12:27:00.000-08:00

La palabra “jugar” es muy hermosa, puesto que el “jugar” en un instrumento debe identificarse con el instrumento mismo. El que no juega con el instrumento, no lo juega.
(1830) 1

A menudo me he sentido apagado, acongojado y anonadado. Pero entonces me acerqué a ti, y mi alma dejó de llorar porque pudo hablar y dialogar.
(Noticias del Diario de los años 1828-1838)

¡Proyectar luz en lo profundo del corazón humano, he aquí la vocación del artista!
(1843)

Roberto Schumann, el más grande compositor alemán del periodo romántico, nace en Zwickau (Sajovia) el 8 de Junio de 1810. Se inició como virtuoso del piano dedicándose luego principalmente a la composición y a la crítica. En 1834 -con Knorr, Schuncke y Wieck (su maestro)- fundó, en Leipzig, la Nueva Gaceta Musical, de la actual fue el único redactor desde 1835 hasta 1844. En dicho periodo, Schumann luchó infatigablemente en pro del progreso musical, ora fustigando (por ejemplo: a Meyerbeer), ora elogiando (por ejemplo: a Cherubini y a Mendelssohn).
De Mendelssohn dijo: “Considero que Mendelssohn es el primer músico de esta época y en su presencia, como frente a un maestro, me quito el sombrero. Solo que juega, con todo, particularmente con las masas orquestales, pero cuán libremente juega, cuán finamente, cuán artísticamente, con qué entera maestría lo hace”.
La gloria de Schumann, como critico musical, es la de haber revelado al público el genio de Chopin (1833-1849), de Berlioz (1803) y de Brahms (1833-1837). Su último artículo escrito en la gaceta fue precisamente sobre Brahms (1853).
Entre sus composiciones se destacan: Carnaval, Fantasía, Krisleriana, Seis sonetas para piano, Lieder, sinfonías, conciertos para piano y violoncello, etc..
Fallece privado de sus facultades mentales el 29 de Junio de 1856.

******
Esta vez abarcaremos no tanto la vida de tan excelente compositor si no sus consejos acerca de la música, no sólo de este artículo que ha escrito, si no además de otros escritos que pude rescatar.

Acerca del ensayo de un tratado de estética musical, compuesto alrededor de 1828 y titulado “El mundo de los sonidos”, del diario de Santa Cecilia, podemos obtener, de forma fragmentada, esta hermosa escritura sobre la música:

La música es el gran lazo invisible que une a todos los espíritus, puesto que entre todos los espíritus impera un armonioso acorde, del mismo modo como en la música la armonía es la unión comunicativa de los sonidos. La música es la capacidad de sentirnos vivir en voz alta, es el lenguaje espiritual el sentimiento, aún más escondido que la afectividad más profunda, pero entretejido con ella y entrañando en lo más íntimo. Los sentidos deben experimentar primero el dolor y la alegría, como en el piano primero se tocan las teclas antes de que suenen, y sólo entonces el sentimiento se entrega a la dominación de los sonidos todavía adormecidos. Así, la música es la misteriosa espiritualización de nuestras emociones. Únicamente cuando hemos experimentado un dolor o una alegría en toda su posibilidad, sólo entonces se agitan las profundidades, el fantasmagórico imperio de los sonidos se anima vivazmente, mientras que en los sentidos se aquietan y se clarifican. La música tranquiliza siempre cuando brota de nosotros mismos, al paso que la alegría nos agita, como las lágrimas alivian nuestro dolor y lo provocan en los demás. El que posee el sonido musical no necesita lágrimas, ambos –sonido y lágrimas- valen lo mismo, son las disueltas concepciones del afecto. Los corpúsculos del polvo sólo se hacen visibles y se corporizan en los rayos solares. Los sonidos despiertan a través del ardor del entusiasmo: los sonidos son el eco del sentimiento; al anochecer, en cuanto se hace el silencio, se los oye más distintamente.

Es la diosa viva de la esencia de lo espiritual.

A continuación su famoso: Consejos a los jóvenes estudiantes de música

1.- La educación del oído es de máxima importancia; es conveniente, pues,
que enseguida te ocupes de ella, esforzándote en reconocer cualquier sonido
que oigas y la tonalidad de cada trozo de música. Procura también saber que
sonidos producen las campanas, el cuchillo, etc..

2.- Tocar con atención las escalas y los ejercicios mecánicos es cosa
óptima; pero no imites a esos pianistas que, creyendo que con esto se
alcanza el máximo resultado, dedican siempre hasta la más avanzada edad,
varias horas diarias a los ejercicios mecánicos de los dedos. Eso equivale a
repetir diariamente, con creciente rapidez, las letras del abecedario. Es
necesario emplear mejor el tiempo.

3.- Se han construido los llamados teclados mudos; pero después de breve uso
te convencerás de su inutilidad: ¿como pueden los mudos enseñar a hablar?.

4.- ¡Lleva bien el compás! La ejecución de algunos concertistas se parece al
andar de un borracho: guárdate de tomar a ellos por modelo.

5.- Profundízate temprano en las leyes fundamentales de la armonía.

6.- No te asustes de los nombres: Teoría, armonía, contrapunto, etc...; con
un poco de buena voluntad, pronto te serán familiares.

7.- ¡No toques negligentemente! Ejecuta cada trozo siempre con mucha
atención, sin omitir nada.

8.- Tocar muy deprisa es un defecto tan grande, como tocar muy despacio.

9.- Procura ejecutar lo mejor posibles trozos fáciles; obtendrás así más
beneficio que ejecutando mediocremente composiciones difíciles.

10.- Ten siempre tu instrumento perfectamente afinado.

11.- No basta saber ejecutar con los dedos la música; hay que saber también
cantarla, en voz baja, sin recurrir al instrumento.

12.- Ejercita tu memoria para poder retener no solo la melodía de una
composición, sino también su armonía.

13.- Aunque tengas poca voz, acostúmbrate a cantar repentizando, sin la
ayuda de instrumento alguno; así perfeccionarás siempre más el oído. Pero si
tienes la suerte de poseer una hermosa voz, no vaciles en educarla;
¡considérala como uno de los más preciados dones que te haya concedido
Dios!.

14.- Procura llegar a comprender la música escrita, sin ejecutarla: con solo
leerla

15.- Cuando toques, no te preocupes de quienes te escuchan; pero si, ejecuta
siempre como si te escuchara un maestro.

16.- La primera cualidad de la interpretación es la precisión, o sea la
exacta observancia del texto, que pone de relieve la más recóndita intención
del autor.

17.- Si te dan para tocar un trozo que no conoces, léelo antes de
ejecutarlo.

18.- Si después de la técnica diaria estás cansado, no continúes tocando: es
mejor descansar que trabajar sin placer y sin energía.

19.- No ejecutes las composiciones que están de moda. El tiempo es precioso,
y seria necesario vivir cien veces más de lo que se vive para llegar a
conocer solo la buena música existente.

20.- Nutriendo a los niños con golosinas no se forman hombres sanos. La
nutrición del espíritu, como la del cuerpo, debe ser sencilla y
substanciosa. Los grandes maestros te han provisto abundantemente:
aliméntate de sus obras.

21.- Aquella música cuyo único fin es poner en evidencia dificultades
técnicas en la ejecución, pronto pasa de moda: las dificultades técnicas
tienen valor solo cuando persiguen fines más elevados, o sea cuando logran
una perfecta ejecución de la música de verdadero mérito.

22.- No divulgues las malas composiciones, antes trata con todas tus fuerzas
de impedir su difusión.

23.- No toques música mala y, salvo que las circunstancias te obliguen,
tampoco la escuches.

24.- No creas que la verdadera maestría consiste solo en la agilidad. En la
ejecución de un trozo procura más bien producir la impresión que tenia en la
mente el compositor, y nada más. Cualquier otra cosa sería caricatura.

25.- No olvides que es cosa detestable y monstruosa hacer cambio y
mutilaciones en la música de los grandes compositores, como también agregar
adornos de uso exclusivamente moderno. Es la máxima injuria que se pueda
hacer al arte.
Nota del traductor: Aquí recuerda lo que dice Berlioz al respecto: "No, no,
no, diez millones de veces no; músicos, poetas, actores, pianistas,
directores de orquesta de tercero, segundo y también de primer orden,
vosotros no tenéis el derecho de retocar a los Beethoven y a los
Shakespeare, para hacerles la limosna de vuestra ciencia y de vuestro gusto.
No, no, no, mil millones de veces no; un hombre, cualquiera no tiene el
derecho de constreñir a otro hombre, cualquiera que sea, a dejar su propia
fisonomía para tomar otra, a expresarse en una manera que no es la suya, a
asumir una forma que él no ha elegido".

26.- Al seleccionar la música que debes estudiar, consulta siempre a
personas con más experiencia que tú: ahorrarás tiempo.

27.- Procura conocer paulatinamente las obras maestras de los mejores
compositores.

28.- No te dejes engañar por los aplausos que obtienen muy a menudo los
llamados virtuosos. La aprobación de los competentes sea para ti de mayor
valor que la del público.

29.- La música que está de moda tiene poca vida; si persistes en cultivarla,
serás considerado un necio.

30.- Tocar mucho en reuniones sociales es más dañoso que útil. Adáptate al
gusto y a la inteligencia del auditorio; pero sin ejecutar ninguna música de
la cuál, íntimamente, puedas avergonzarte.

31.- Aprovecha la ocasión de tocar música de conjunto, o sea: duetos, tríos,
cuartetos, etc... adquirirás siempre desenvoltura y arrojo en la ejecución.
También es beneficioso acompañar a los cantantes.

32.- Si todos quieren ser primer violín, ¿como sería posible formar una
orquesta?. Por lo tanto valora a cada ejecutante en la parte que desempeña.

33.- Ama el instrumento que tocas; pero no seas tan vanidoso de creer que él
es el mejor de todos, pues otros no le son inferiores. Reflexiona también
que existe la voz humana, y que en la música se alcanza lo sublime uniendo
el coro a la orquesta.

34.- Progresando en el arte, trata de familiarizarte más con las partituras
que con los virtuosos.

35.- Ejecuta muy a menudo las gufas de los grandes maestros, máxime las de
Juan Sebastián Bach. El Clave bien temperado sea tu pan cotidiano; llegarás,
sin duda a ser un pianista de prestigio.
Nota del traductor: Creo oportuno transcribir lo que dice Benjamín Cesi en
su célebre "Método para el estudio del piano": Base sólida para el
estudiante de piano será siempre el culto y el estudio constante de los
clásicos: Bach, Clementi y Beethoven; sin estos no se puede llegar a ser
artista".

36.- Entre tus compañeros, debes preferir siempre a los que saben más que
tú.

37.- Mitiga la severidad de tus estudios musicales con la lectura de buenos
poetas. Además, pasea muy a menudo por los campos y los bosques.

38.- Se puede aprender mucho de los cantantes; pero no es prudente creer
todo lo que dicen.

39.- Reflexiona que no eres único en el mundo; por lo tanto sé modesto. Tú
no has ideado o hallado cosa que otros no hayan ideado o hallado antes que
tú; y en el caso que esto aconteciera, considéralo como un don de Dios que
debes dividir con otros.

40.- El estudio de la historia de la música y la audición de la obra de los
grandes maestros de distintas épocas, son los verdaderos remedios contra
toda vanidad y presunción.
Nota del traductor: Hasta la fecha se han traducido al español cuatro
historias de la música escritas por auténticos musicógrafos: La de Hugo
Riemann, la de Juan Wolf, la de Alfredo Einstein y la de Andrés Della Corte
y Guido Pannain.

41.- Un hermoso libro es el de Thibaut, titulado "Pureza del arte musical".
Leelo muy a menudo cuando llegues a la edad madura.
Nota del traductor: Antonio Federico Justo Thibaut, nació en Hameln el 4 de
Enero de 1774, y falleció el 28 de marzo de 1840 en Heidelberg, donde era
profesor de derecho. En 1825 publicó el libro "Arte y pureza musical" (cuya
versión al español no existe), que en Alemania ejerció mucha influencia
sobre el renacimiento de la música antigua, máxime de la iglesia.
Thibaut llegó a reunir más de 600 importantes composiciones de distintos
autores de todos los paises (siglos XV, XVI, XVII y XVIII), las cuales,
después de su muerte, fueron adquiridas por el rey de Baviera para la
biblioteca real de Munich.

42.- Si pasando delante de la iglesia, oyes tocar el órgano, detente y
escucha. Si alguna vez puedes tocar dicho instrumento, te asombrarás de la
gran potencia de la música producida por tus pequeños dedos.

43.- Aprovecha cuantas ocasiones se te presenten de ejercitarte en el
órgano; ningún instrumento como éste hace oír claramente las deficiencias de
la ejecución y el pésimo estilo de la composición.

44.- Canta muy a menudo en los coros, máxime en las partes medias; esto
contribuirá a formar tu sensibilidad musical.

45.- ¿Que quiere decir sensibilidad musical?. Tu no la posees si tocas un
trozo con fatiga, mirando con ansiedad los sonidos escritos; o si,
ejecutando, te detienes de repente y eres incapaz de continuar, porque te
han dado vuelta dos páginas al mismo tiempo. Por el contrario tú la posees
si, tocando un trozo nuevo para ti, llegas a adivinar, en cierto modo, lo
que sigue; o si el trozo te es conocido, lo recuerdas. En conclusión, tú
posees sensibilidad musical si tienes la música no solo en los dedos, sino
también en la cabeza y en el corazón.

46.- ¿Como se puede adquirir la sensibilidad musical?. Mis queridos amigos,
la sensibilidad musical es un don divino, y consiste, principalmente, en
tener un oído delicado y una rápida facultad de percepción. Estas dichosas
disposiciones pueden ser cultivadas y perfeccionadas, pero no encerrándose
en un cuarto y tocando los solo ejercicios mecánicos, sino estando en
contacto con otros músicos y, especialmente, familiarizándote con el coro y
la orquesta.

47.- Procura conocer bien y a tiempo la extensión de la voz humana en sus
cuatro modificaciones. Estúdiala particularmente en los coros, investigando
cuales son los sonidos con que la voz manifiesta mayor potencia y cuales
aquellos con que expresa pasiones tiernas y sentimientos delicados.

48.- Escucha con atención los cantos populares; ellos constituyen un rico
manantial de hermosísimas melodías que te facilitarán el estudio sobre el
carácter de la música de las diferentes naciones.

49.- Ejercítate muy a menudo en la lectura de las claves antiguas; de lo
contrario, ignorarás muchos tesoros del pasado.
Nota del traductor: Por lo tanto no escuchéis a los que afirman que las
claves de Do son antiguallas inútiles, y que deben desecharse de todas las
escuelas modernas.

50.- Pon atención al diferente timbre y al carácter propio de los distintos
instrumentos, procurando retener en tu oído las cualidades particulares de
sus sonidos.

51.- Respeta la música antigua; pero interésate también por la moderna.

52.- No tengas ánimo adverso por la música cuyo autor te es desconocido.

53.- No juzgues una composición después de la primera audición, pues lo que
agrada en seguida no siempre es lo mejor. Las obras de los grandes maestros
deben ser estudiadas, y muchas cosas serán claras para ti, cuando tengas más
años.

54.- Al emitir un juicio sobre las composiciones, debes distinguir aquellas
que pertenecen al verdadero arte de las que sirven para deleitar a los
aficionados. Aprecia las primeras; pero no desprecies las otras.

55.- ¡Melodía!, he aquí el grito de guerra de los aficionados. Y a decir
verdad, no existiría música sin melodía. Pero es necesario conocer bien que
cosa entienden ellos por melodía: un estribillo de fácil comprensión y de
agradable ritmo. Pero existen melodías de género diferente: si se da un
vistazo a las obras de Bach, Mozart, Beethoven, se verá como ellas se
presentan bajo mil formas distintas. Es de esperar que pronto te fastidien
las melodías uniformes, especialmente aquellas de las nuevas óperas
italianas.
Nota del traductor: Ignoro cuáles son esas "nuevas óperas italianas": ¿las
de Petrella, Pacini, Lauro Rossi, los hermanos Ricci, Mercadante, Nini,
Persiani?. Tal vez; pero de seguro no pueden ser las de Rossini, Donizetti,
Bellini y Verdi, que contienen hermosas e inmortales melodías que todo
verdadero artista admira. Y en efecto, el mismo Schumann así se expresa en
una carta dirigida a su maestro Wieck: "Usted no tiene ninguna idea de la
música italiana; esta se debe escuchar bajo el cielo que la ha creado: el de
Italia. En las salas de concierto de Leipzig yo he experimentado
frecuentemente estremecimientos de éxtasis y me he espantado del genio de la
música; pero en Italia he aprendido a amar ese genio. Existe en mi vida una
noche -única- en la cual me pareció que Dios se me presentó delante,
dejándome libre y dulcemente contemplar su rostro; esto fue en Milán, cuando
oí a Judit Pasta cantando música de Rossini. No se sonría maestro: es la
verdad".

56.- Es bueno componer pequeñas melodías en el piano; pero si las ideas
musicales vienen a ti, sin buscarlas en el piano, tendrás que alegrarte
mucho más, porque tu sensibilidad musical se despierta. Los dedos deben
ejecutar lo que el cerebro quiere, y no lo contrario.

57.- Cuando empieces a componer, imagina primero con el pensamiento, y sólo
cuando tu trabajo está completamente ideado en tu cerebro, ejecútalo en el
piano.

58.- Si tu música proviene del alma y del corazón, y tú mismo te conmueves.
Entonces ella podrá conmover también a los demás.

59.- Si Dios te ha dado el don de una fantasía vivaz, cuando te halles solo,
sentado ante el piano, muy a menudo tentarás de expresar con las armonías el
íntimo sentimiento de tu ánimo; y cuanto más obscura sea para ti la ciencia
armónica, tanto más te parecerá ser misteriosamente arrastrado a regiones
encantadas. Estas son las horas más bellas de la juventud. Pero no te dejes
llevar frecuentemente por la fantasía que podría hacerte perder tiempo y
fuerzas, corriendo detrás de fantasmas. Nunca se llega a dominar las formas
de la composición y a expresar claramente las propias ideas, si no se ponen
por escrito los propios conceptos. Por lo tanto, escribe más de lo que
improvises.

60.- Trata de adquirir a tiempo el arte de dirigir la orquesta. Observa a
los buenos directores y esfuérzate en dirigir tú mismo mentalmente: así
adquirirás lucidez de percepción.

61.- Estudia atentamente la vida y procúrate conocimientos también en otras
artes y ciencias.

62.- Las leyes de la moral son también las del arte.

63.- Diligencia y perseverancia son los factores más importantes del
progreso.
Nota del traductor: Respecto a la diligencia, creo oportuno recordar lo que
dice Leonardo de Vinci: "No olvides que aprenderás más con la diligencia que
con la prisa", y en cuanto a la perseverancia recuerda el célebre refrán:
"La gotera cava la piedra", o sea, que la constancia vence toda dificultad.

64.- De una libra de hierro, que cuesta pocos centavos, se puede obtener un
millar de manecillas de reloj, cuyo valor, comparado con el de la primera
materia, es prodigioso.
Emplea, por lo tanto, concienzudamente la "Libra" que has recibido de Dios.

65.- En arte, sin entusiasmo, nada grande se produce.

66.- El objeto del arte no debe ser la ganancia material. Trata de llegar a
ser lo más experto posible: el resto vendrá solo.

67.- El espíritu de una composición te será claro recién cuando hayas
comprendido bien su forma.

68.- Tal vez un solo un genio puede llegar a comprender a otro genio.

69.- Se dice que un perfecto músico, al escuchar por primera vez un trozo
orquestal, por complicado que sea, debería verlo en su mente como si tuviera
delante la partitura escrita. Esto sería, verdaderamente, el colmo del
intelecto musical.

70.- El Estudio no tiene fin.
Nota del traductor: Recuerda lo que dice Arturo Graf en su interesante libro
de aforismos y parábolas Ecce Homo (edic. treves, Milán, 1908): "Cuando yo
era joven, me parecía saber mucho; ahora, después de años y años de estudio,
me doy cuenta de que sé muy poco; sin embargo, no es posible que el estudio
sea un progreso en la ignorancia.

Esperamos que aquellos aficionados a la música clásica, como al estudio cuidadoso de ella hayan podido obtener una valiosa información por parte de Schumann. Aquí los dejo con algunos consejos más sacados de distintos escritos que encontré en los “Principios para la vida musical y hogareña”. Gracias por leernos.

• No creas que la vieja música ha envejecido. Como una palabra hermosa y verídica no puede envejecer, tampoco puede envejecer la música hermosa y verídica.

• No debes amar a un solo maestro. Muchos son los que han existido.

• Si empiezas a componer, de primera intención hazlo todo mentalmente. Sólo cuando la pieza este terminada, pruébala en el instrumento. Si tu música ha brotado de tu intimidad, como tú la has sentido así ella obrará luego sobre los demás.

• Cuando realmente progresas, antes te será grato frecuentar las partituras, no los virtuosos.

• Si te piden que toques frente a alguien no te hagas rogar; hazlo inmediatamente, o si no desiste del todo.

• Si tocas, no te preocupes por quien te escucha.

• Toca siempre como si un maestro te escuchara.

1 Para la buena comprensión de este dicho de Schumann conviene recordar que en alemán el verbo spielen (lo mismo que en francés jouer o en inglés to play) significa “jugar”, pero también “tocar un instrumento”.

“El corazón delator”: Edgar Allan Poe y Soda Stereo

2009-09-18T11:47:00.000-07:00

Sí, en este blog conviven diversas temáticas musicales, podemos mezclar por ejemplo a un ex Sumo con un Soda Stereo (tengamos en cuenta que, en su época, eran dos polos opuestos), como también podemos analizar desde la literatura una canción, aunque ya en alguna oportunidad lo hice con el tema de los Beatles “I am the walrus” junto al poema “La Morsa y El Carpintero” de Lewis Carroll.

Es esta la oportunidad de uno de mis escritores preferidos y de una de las canciones que más me gustan de Soda.

Comencemos desde el principio…

Reseña a la vida de Allan Poe

Edgar Poe nace en Boston un 19 de Enero de 1809, hijo de actores y nieto del famoso “General Poe”. Tiene dos hermanos: Uno mayor, William Henry, nacido en 1807 (quien fallece años más tarde por tuberculosis) y Rosalie, la menor, nacida en 1810. Debido al gran talento de su madre, Elizabeth Poe, su padre, David Poe, quien era alcohólico, decide abandonarlos. Su madre queda a cargo de él y sus otros dos hermanos pero fallece de una tuberculosis a los 3 años de Poe. Elizabeth era muy admirada y el teatro en donde trabajaba le realiza el funeral pero los niños quedan solos. A dicho funeral asiste un importante comerciante proveniente de Richmond, el Sr. John Allan. Su mujer, Frances, no sólo le insiste que se haga cargo del costo del funeral sino que adopten al pequeño Edgar. Esta adopción nunca se concreto legalmente ya que el Sr. Allan accede a tomarlo como hijo por la insistencia de su mujer, no porque realmente le simpatice. Su hermano mayor queda a cargo de una tía del padre, en Baltimore. Ya en la adolescencia de Edgar Poe comienzan los problemas con su padrastro, aunque siempre era apañado por su madre y la hermana de ésta que vivía con ellos. La pasión por la literatura fantástica comienza a despertarse en Poe a través de las fábulas que contaban los amigos de su padrastro acerca de sus viajes. Poe tenía una gran imaginación y gustaba de escribir y recitar poemas. Es en esta etapa en la que se enamora perdidamente de la Sra. Stranard, amor no correspondido y a quien se le prohíbe ver, luego aún más, ya que su familia ocultaba una enfermedad que la mujer padecía por la que fallece, dejando de todas formas una huella imborrable en Poe. Años más tarde se enamora de una joven pero ni su padrastro ni el padre de la chica están de acuerdo con su amorío decidiendo separarlos enviando a Poe a estudiar a la Universidad de Charlottesville. Esta Universidad, a pesar de ser vista como “la nueva Oxford”, dista mucho de ello y sus alumnos se la pasan haciendo apuestas y bebiendo. Allí es donde Poe comienza a beber pero muy poco ya que unos pocos vasos de vinos le son suficientes como para embriagarse. También, para no quedar mal adelante de sus compañeros, comienza a apostar y a endeudarse, por lo que el Sr. Allan le pasa poquísimas sumas de dinero. A pesar de todo esto, Poe es un sobresaliente alumno y recibe menciones especiales. Dada la humillación que sentía por las deudas que acumulaba, decide irse de la Universidad y enfrentar los conflictos con John Allan. Allí es donde decide irse de la casa de sus padres adoptivos, luchando por su sueño de ser poeta y tener su propia revista pero, al no tener un centavo en su bolsillo, decide alistarse en el ejército. En él dura unos 5 años pero al no lograr progresar en su literatura es que decide hacer una tregua con el Sr. Allan: Volver a su hogar prometiendo que iba a alistarse en la Academia Militar de West Point. Su madre adoptiva ya había fallecido para entonces, hacía muy poco. Lo que Poe quería lograr eran contactos con la gente de Allan para así poder subir algunos escalones pero, claro, Allan creía que Poe había abandonado su ambición como escritor. Consigue un contrato en donde logra publicar uno de sus poemas y también entra a la Academia Militar. Allí decide hacerse echar, tampoco logrando progresar con la literatura, dejando de asistir a clases y logra, gracias a la ayuda de sus compañeros de cuartel, editar su primer libro. Se va nuevamente de su casa y para en Baltimore, en casa de su tía paterna, quien vive con sus dos hijos, Henry y Virginia, y con el hermano de Poe. A partir de allí comienza dificultosamente su escala a la cima. Con su tía pasaban hambre, así que cualquier dinero que ingresara a la casa era bienvenido (como fue el de un concurso que ganó). Poe pide ayuda a su padrastro Allan pero éste, ya enfermo, se niega (sólo le paga la deuda que tuvo en aquella Universidad y decide no dejarle herencia en su testamento). Por una sugerencia que le hace su hermano, Poe decide cambiar de género literario y se aboca a los cuentos breves. Aquí es donde comienza a vender más y consigue contratos en diversos periódicos como en el “Southern Literary Messenger”, el “Gentleman’s Magazine” y el “Penn Magazine” como escritor y crítico, aunque nunca llegaron a pagarle grandes sumas de dinero. Durante este período, se casa con su prima Virginia, quien luego fallece y vuelve a Richmond en busca de ese viejo prohibido amor. Decide casarse con ella y de regreso a Baltimore para informarle a su tía de esta unión, Edgar Allan Poe fallece en la misma ciudad un 7 de Octubre de 1849 a la edad de 40 años. La causa de su muerte sigue siendo un misterio. Hay muchas teorías pero con la que más de acuerdo estoy, personalmente, es con la de que, camino a Baltimore, se detiene en Filadelfia, lugar infestado por la cólera y donde permanece unos días por una enfermedad que padece (un aparente resfrío, informa en una carta a su tía). Dado el contexto socio-político de la historia de los EEUU en el año 1849, donde habían muchas peleas entre los del sur y los del norte, Poe, que venía del sur (ganando el norte finalmente), es defenestrado por lo que varios años, incluso considero hasta el día de hoy, se tuvo una mala imagen de lo que fue. No era un gran bebedor según se cuenta pero sí que unas pocas copas le eran realmente suficientes. También sufría de depresión y cada tanto consumía opio (incluso intento suicidarse con láudano). Pero su forma de ser no fue sólo más que por las grandes pérdidas que sufrió a lo largo de su vida.

“El Corazón Delator”

The Tell-Tale Heart (título original en inglés) fue publicado por primera vez en el periódico literario “The Pionner” editado por James Russell Lowell en Enero de 1843, aunque se sabe que había sido escrito varios años antes. Poe lo republicó más tarde en el periódico “The Broadway Journal” en 1845. Por su publicación, Poe recibió sólo 10 dólares. El original incluye una cita de Henry Wadsworth Longfellow, de su poema “A Psalm of Life”. En su reedición en 1845, Poe decide omitir la cita de Longfellow, ya que pensó que era un plagio. Esta obra es considerada generalmente un clásico de la literatura gótica y ha sido adaptado o servido de inspiración en numerosas ocasiones y en distintos medios.

Argumento

El cuento está escrito en primera persona narrativa. La historia presenta a un narrador anónimo obsesionado con el ojo enfermo (que llama “ojo de buitre”) de un anciano con el cual convive. Finalmente decide asesinarlo. El crimen es estudiado cuidadosamente y, tras ser perpetrado, el cadáver es despedazado y escondido bajo las tablas del suelo de la casa. La policía acude a la misma y el asesino acaba delatándose a sí mismo, imaginando alucinadamente que el corazón del viejo se ha puesto a latir bajo la tarima.

Análisis de la obra literaria

El relato empieza en mitad de la trama. Se ha especulado que el narrador está confesando a un guardián, a un periodista o a un psiquiatra. Esto puede ser así por la necesidad de explicarse del narrador con todo detalle. Las primeras palabras del texto “¡Es cierto!”, son una confesión de culpa. Esta introducción sirve también para captar inmediatamente la atención del lector sobre lo que se cuenta. Desde este punto, según era propio en Poe quien exige para el cuento lo breve, lo condensado y agudo, lo fácilmente difundible, cada palabra está enfocada al avance de la historia. El motor de ésta es la insistencia del narrador en su “cordura”. Pero esto revela una pulsión autodestructiva, ya que se está pretendiendo demostrar la cordura a través de la culpabilidad en el crimen. Su negación de la locura se basa en lo sistemático de su conducta homicida, en su presición y en la explicación racional de una conducta irracional. Esta racionalidad está minada por su falta de motivación. La escena final no es más que el resultado del sentimiento de culpa del personaje. La pretensión de haber oído el corazón latir a distancia, pese a su aguda sensibilidad, es la evidencia del desvarío y la locura. Los lectores de la época seguramente se sintieron muy interesados en el tema de la alegación de la locura transitoria que recrea el cuento. El narrador afirma estar enfermo de hipersensibilidad (como Roderick Usher en “La caída de la casa Usher” -1839- y como en “El coloquio de Monos y Una” -1841-). Pero Poe no deja claro si esa hipersensibilidad es real o imaginaria. Si es cierto lo que oye, pudieron haber sido escarabajos necrófagos. De acuerdo con la tradición, estos insectos señalan una muerte inminente. Se sabe que una variedad de estos se restriega contra las superficies como parte de un rito de apareamiento. Henry David Thoreau sugirió en 1838 que estos bichos suenan igual que el latido cardíaco. Por otra parte, si los latidos son producto de la imaginación del asesino, es por tanto su imaginación lo que le pierde. La relación entre el viejo y el narrador es ambigua. El narrador puede ser un sirviente, o incluso su hijo, en cuyo caso el “ojo de buitre” podría simbolizar la vigilancia paterna y hasta los principios heredados sobre lo que está bien y lo que está mal. En tal caso su eliminación es equiparable a la de la conciencia del bien. El ojo puede también representar el misterio. La relación entre los personajes es algo secundario; lo principal es el empeño en la comisión del “crimen perfecto”. El asesinato, como un absoluto, sin motivaciones, reaparecerá en una de las grandes novelas del S. XIX, “Crimen y castigo”, de Fiodor Dotoievski, uno de los célebres admiradores y traductores de Poe. El poeta Richard Wilbur ha sugerido que el cuento es una representación alegórica del poema de Poe titulado “A la ciencia”, que muestra la lucha entre la imaginación y la ciencia. Julio Cortázar ve en el relato el tema de Caín, expresado en la obra de Poe en tres grados: En “El demonio de la perversidad” en su forma más pura, en “William Wilson” ilustra la alucinación visual y “El corazón delator”, la auditiva. Añade que el relato expresa las obsesiones sádicas de su autor, y que el ojo de la víctima reaparecerá en “El gato negro”. El relato asimismo presenta un fraseo breve y nervioso que le dan un poderoso valor oral. Robert Louis Stevenson hace notar la “poco menos que inverosímil agudeza en el resbaladizo terreno entre la cordura y la demencia”. “El corazón delator” es “una contribución importante a la psicología mórbida”.

Análisis de la obra musical

Han existido muchos compositores y músicos que se vieron inspirados por dicho cuento (se puede consultar para ello en la Wikipedia) pero nos basaremos en la obra de Soda Stereo. Dicha obra está encarada narrando la locura del personaje desde un punto de vista reflexivo. Hace referencia a la hipersensibilidad auditiva del narrador en partes como “(…) Hay algo oculto en cada sensación/ella parece sospechar/parece descubrir en mí debilidad”. Dicha hipersensibilidad es lo que causa locura en el narrador que a fin de cuentas termina delatándolo. Vale aclarar, para evitar posibles confusiones, que el “ella” en ningún momento es visto como un personaje femenino sino que siempre hace referencia a “la sensación”. También se encuentran motivos pasionales –recordemos que el narrador dice en el cuento “Yo amaba al anciano. El nunca me había agraviado”- en partes como “los vestigios de una hoguera” y “la fiebre volverá de nuevo”. También menciona la canción, estrofas más tarde, lo siguiente: “(…) Hay algo oculto en cada sensación/ella parece sospechar/parece descubrir en mí que aquel amor/es como un océano de fuego”. Quisiera tomar en cuenta que la frase “la fiebre volverá de nuevo” puede hacer también referencia a las largas noches que el narrador pasa vigilando al anciano antes de cometer el crimen. Se encuentra presente, además, el momento en el que el narrador necesita de forma inmediata cometer el crimen (esa última noche que lo vigila), donde la canción cuenta: “Un suave látigo/una premonición/evocan llagas en las manos”. La canción hace una constante referencia al momento en el que el narrador no soporta más el sonido del corazón latiendo bajo las tablas del suelo de la habitación y se delata a sí mismo, en partes como: “Oh!, mi corazón se vuelve delator/traicionándome”, “(…) Se abren mis esposas” y “un dulce pálpito/la clave íntima/se van cayendo de mis labios/como un mantra/de mis labios”. Dicha canción se puede encontrar en el álbum de Soda Stereo “Doble Vida” o mismo en la producción solista de Gustavo Cerati “11 Episodios Sinfónicos”. La portada de este último mencionado, fue confeccionada, según palabras de Cerati, en base a los personajes de los libros “El Principito” y “Drácula”. El punto más alto de este álbum fue justamente la canción aquí analizada “Corazón Delator”. Personalmente, su portada encaja perfectamente con el ambiente que es creado por dicha canción.

Espero les haya parecido interesante la investigación que realicé del cuento, el autor y el tema de Soda Stereo. Como siempre, bien bienvenidos son los comentarios y/o las críticas.

¡Hasta la próxima!.

Fuente:
• Edgar Allan Poe para principiantes, Era Naciente SRL, Buenos Aires, 1999
• Narraciones Extraordinarias, Edgar Allan Poe, Ed. Libertador, Buenos Aires, 2004
• El Corazón Delator, Wikipedia en español

“Revolver”: Pequeñas grandes curiosidades

2009-07-14T20:33:00.000-07:00

A modo de comenzar con una pequeña gran parte de este discazo de The Beatles, me tomo el atrevimiento quizás de comenzar con algunas curiosidades extraídas de una revista que compré alguna vez por Tigre.

Dicho fascículo narra la forma en la que fue creado este disco y, a su vez, cuenta curiosidades de algunas de sus canciones que aquí paso a describirles:

* A excepción de Eleanor Rigby, con sus fuertes imágenes y metáforas del cripticismo kistch de Tomorrow never knows y del sin sentido calculado de And your bird can sing, el lenguaje básico de Revolver es un coloquialismo del cual brota eventualmente un doble sentido con referencia a las drogas.
Si bien la presencia de la amada como referente sigue presente, la canción de amor tradicional apenas persiste en una zona de la producción de Mc Cartney.

* El conteo principal de Taxman nos lleva al álbum Please, please me: ¿pensaban que completaban un círculo?. La frase “declare the pennies on your eyes” (“declaren los peñiques sobre sus ojos”) tiene que ver con la antigua costumbre de cerrar los ojos de los muertos apoyando monedas en ellos.

* El nombre Eleanor Rigby fue inventado por Mc Cartney partiendo de la frase de Miss Daisy Hawkins. Eleanor se debe a Eleanor Bron, la actriz de la película Help!, Rigby fue un nombre que encontró en las tiendas de Bristol. Lo curioso es que, años más tarde, se descubrió una tumba que llevaba escrito ese nombre en el cementerio de St. Peter’s, de Woolton, donde John conoció a Paul.
El apellido Mc Kenzie fue hallado en la guía telefónica. Originalmente, iba a ser Mc Cartney pero Paul no quiso involucrar a su padre en una canción tan triste.
La letra en su versión embriónica era la siguiente: “Ola Na Tungee/ Blowing his mind in the dark with a pipe full of clay/ No one can say” (“Ola Na Tungee/ Volando su cabeza con una pipa llena de arcilla/ Nadie puede saber”). Nótese el parecido estético entre estos versos sin sentido barajados por Paul para rellenar la línea melódica con posteriores producciones definitivas de John.

* Así como Harrison aprovechó el jardín de Clapton para escribir el célebre Here comes the sun, Paul hizo lo propio en el de John para Good-day sunshine, inspirado en el tema Daydream, de los Lovin’ Spoonful y Here, there and everywhere, esta vez partiendo de God only knows de The Beach Boys.

* En relación a And your bird can sing, pueden leer el relato anónimo “Los dos Reyes y los dos Ruiseñores”.

* For no one fue escrita en Marzo de 1966 en Suiza. El título provisorio era Why did it die? (¿Porqué murió?).

* Dos canciones de George tenían títulos provisorios relacionados con tipos de manzanas inglesas: Granny Smith (Love you to) y Laxton’s Superb (I want to tell you).

* Las referencias kármicas presentes en I want to tell you (“Puedo esperar por siempre, tengo tiempo”) y en Tomorrow never knows (“O jugar el juego de la existencia hasta el final/ Del comienzo”) marcan un ida y vuelta permanente sin posibilidad de trascendencia. Sólo en I’m only sleeping, de manera simbólica, el sujeto logra sustraerse al ir y venir, en el plano cotidiano.

* Love you to y Tomorrow never knows son las primeras canciones de The Beatles cuyo título no figura en el texto.

Recomendación personal

Excelente fascículo, con muy buenas investigaciones y sumamente interesante para aquellos amantes de The Beatles.
Entre los posteos anteriores de dicho blog van a poder encontrar una pequeña investigación personal (por así llamarla) del tema I am the walrus.

Espero hayan disfrutado de esta actualización y en breve, es mi intención agregar más información acerca del mismo disco y varios más, entre otros temas sobre estos y otros músicos que tanto nos enseñan e inspiran.

Fuente: “Beatles 400 lyrics” de Horacio Piñeiro

Las Mujeres al Piano, parte I

2007-11-25T12:26:00.000-08:00

Esta vez, la cuestión es más personal.

Ya sin tantos preámbulos ni "investigaciones" les quiero dejar, entre otras cosillas, parte de una entrevista que rescaté de la revista "Rec or Play Música" a esta pianista-blusera: Cristina Dall, una de las 4 patas que sostuvieron los 4 discos y más de 10 años de trayectoria de Las Blacanblus.

¿Cuándo comenzaste a tocar?
Desde muy chica. El piano fue el 1er. instrumento que toqué. Mi padre escuchaba mucha música clásica, y clásica también fue mi formación (...).

¿A quiénes reconocés como influencias?
The Beatles y Rolling Stones son los 2 pilares de esa época, pero mis gustos pasaban por el rock negro, el blues, el rock americano de Chuck Berry, como principal referente. Me gusta el honky-tonk, la música de burdel que tiene ese sonido de piano vertical, música de cantina.

¿Te considerás más pianista que cantante?
Reconozco 3 aspectos en mi persona: pianista, cantante y compositora. Sin descollar en ninguna, soy un poco de cada una de esas cosas.

¿Cuándo comenzaste a tocar más profesionalmente?
Era una época -principios de los '80- difícil para hacerse un lugar entre hombres, y mucho más difícil poder grabar. Una banda que yo iba a ver, llamada Magnum 44, me convocó para cantar luego de haber hecho una audición con unos nervios terribles.

¿Cómo se formó Blacanblus?
Yo había comenzado a tomar clases de canto con una profesora de canto "negro", o sea, más arraigada con las raíces del blues, el soul y el gospel. Ahí nos conocimos con las chicas. Al comienzo frecuentábamos boliches donde yo había tocado con otros músicos. Eramos bichos raros. Igualmente hemos contado con la ayuda de muchos artistas, Pappo nos dió una mano muy grande. Y otros músicos como Los Redondos, Botafogo y Fito también nos dieron su apoyo.

¿Cómo era el trabajo vocal que realizaban, tanto en vivo como en estudio?
Llevándolo a un coro, nuestro registro era de mezzos y sopranos, pero, de ser necesario, algunas podíamos conseguir un registro más bajo o más alto, dependía del momento. En vivo cada una tomaba su momento como en una suerte de "solo" y sabía como adecuarse a su registro. También había algo de improvisación, pero estaba previamente pensado el lugar de cada una (...). En estudio sí aparecían Viviana Scaliza y Déborah Dixon, porque poseen un registro más amplio, pero nos manejábamos igual, por momentos la voz como solista, y en otros compartiendo la 1ª voz.

A modo de cierre, ¿qué pianos tuviste y qué tenés actualmente?
Mi 1er. instrumento fue un piano vertical. Hoy tengo un Roland RD-600, el mejor teclado que tuve. Aún mantengo un Korg X-3, y alguna vez tuve un Ensoniq.

Por otra parte, y siguiendo el hilo conductor de este ¿artículo?, quisiera compartir un talento que encontré por la net.

Buscando videos de Janis Joplin, más especificamente el tema "Turtle Blues", me topé con ella:

¿No es genial?.

Sinceramente me enorgullese que haya gente que mantenga viva esta música. Su impro es muy buena y excelente se nota su manera de tocar. Estoy maravillizada (en el Youtube la encuentran como "mariaizzo" ;) ).

Finalizando, espero hayan disfrutado este breve recorrido por algunas Sras./Sritas. dueñas del "quéhacer" de sus manos.

DANGER: Talento pianístico: Proximamente Gabriela Dantoni en todas las disquerías del país. ¡Otra nena a destacar! ;)

Roberto Pettinato: Breve reseña a su música. Y "Música Anticomercial"

2007-09-07T18:02:00.000-07:00

Excelente músico. Gran saxofonista.

Lamentablemente reconocido más por sus trabajos en TV que por su talento musical.

Pieza importante en Sumo. Comenzó como cronista de la revista musical "El Expreso Imaginario". Sus destacadas notas le valieron el respeto de Luca Prodan, líder de ésta banda.

La excelente relación mantenida entre ambos posibilitó su inserción en la tercera formación del grupo en el año 1982. Pettinato se unió como saxofonista hasta la disolución de la banda, en Diciembre de 1988, luego de la muerte de Prodan. Años más tarde, editaría el libro "La Jungla del Poder", siendo la primera parte de sus memorias sobre la banda.

Luego integró otros proyectos musicales, como Los Maxilares de Perón y Pachuco Cadáver, formada con Guillermo Piccolini y Willy Crook como invitado permanente.
De éste, su discografía incluye:
* Tres huevos bajo tierra (1990)
* Life In La Pampa (1992)

Antes de comenzar a consolidar lo que sería su 1er. disco como solista, forma Los Nuevos Nerviosos, una banda de jazz.
Finalizando el año 2000, saca "El Yo Saturado", como decía, su 1er. disco solista; aunque estuvo apunto de llevar otro nombre: "Bye Bye Harmony" (igualmente, nombre de uno de los temas en él).
El nombre que lleva surge porque "(...) es una situación psicológica muy extraña. Me gustó la frase. Yo tengo realmente el yo saturado, saturado de Pettinato. Me decís Pettinato y se me ponen los nervios de punta".
Luego, en 2003, llegaría su 2do. disco como solista: "Música Anticomercial" (del que voy a hablar más adelante).

Actualmente, dirige la revista "La Mano" (NOTA MENTAL: ¡¡Qué revista del carajo!!), en la que escriben periodistas de rock como Alfredo Rosso, Pipo Lernoud y Marcelo Fernández Bitar.

Sólo "Música Anticomercial"

1. Introduction Subway Bass
2. Lacy & Lazy, parte 1
3. Lacy & Lazy, parte 2
4. Black Nile (cover)
5. You Don't Know What Love Is (cover)
6. Free

¿Para qué servirá éste link?

Free Jazz al extremo, género que surgió en Estados Unidos gracias a tipos como Ornette Coleman, Archie Shepp y Cecil Taylor, intenta construir un discurso que nació como una necesidad de expresión en el jazz negro de los años 60 y que se disolvió en el tiempo.

Este mismo disco fue grabado junto al grupo Now.
Sus músicos: Ricardo Nolé en el piano, Alejandro Herrera en el contrabajo (también tocó Mariano Otero) y Oscar Giunta en batería (en algunos temas toca otro baterista: Sebastián Peyceré).

Paralelamente tocaría en varias presentaciones de free jazz en pequeños reductos.

El diario "La Capital" lo describió así: "(...) con algunos inicios donde asomaron melodías que recordaba a standars, para luego dejar paso a la irrupción del espacio libre de la atonalidad, en un sentido casi orgiástico. Exploró cada una de las vísceras de los saxos, en una exageración del growl, esa voluntaria deformación del sonido del instrumento para aproximarlo a la voz humana y, en una actitud parecida, el rugido del contrabajo, cuando era ejecutado con arco.
Improvisación colectiva, con líneas libres y duras cruzándose y friccionando entre sí, bajo la libertad armónica más absoluta y la ausencia total de orden. Un jazz de fuerte tradición atonal, con algunos toques latinos, y los últimos coletazos del free jazz".

Alguna crítica lo catalogaría como "salvaje". Creo que tiene mucho de eso...

Altamente recomendable, quizá NO para los días con dolor de cabeza, porque puede llegar al punto de alterarte.
Pero es un disco muy interesante en cuanto a varias cosas, por ejemplo, utilizadas en él (escuchate "Introduction Subway Bass" y vas a entender de lo que te estoy hablando!).

Apreciación Personal

Antes de finalizar mi extrasúperdooper (?) artículo, quisiera dar una opinión 'más' personal acerca de Pettinato.
Considero que es un ser NACIDO para ser músico, NACIDO para hacer música.
Tiene una mente, una inteligencia, un gusto muy particular, ¡muy excelentes!.

Cada vez que lo veo en la TV no puedo evitar sentir que se va pudriendo lentamente esta faceta. Que sólo pierde su tiempo.
Me fastidia un tanto (aunque no pueda dejar de reírme con su humor) verlo ahí y no evitar pensar, como si algo me dijera, "ese no es el verdadero Pettinato".
Ya es una persona con unos cuantos dinerillos en su bolsillo: ¿porqué no dedicarse a lo que más ama, lo que más disfruta, lo que mejor sabe hacer?.

Disfruto mucho escuchar las melodías que surgen de su saxofón. Son muy especiales, con un sello muy personal (¡como el bajo de Aznar!, sabés que es él!!...).

Mientras tanto, prefiero olvidarme del showman y sólo observar al músico. Leer su revista, nutrirme de su conocimiento musical y tomarlo como referente a la buena música que sabe elegir y todavía no descubrí.

Para muestra, un botón:

"En realidad, toda la vida fui un músico que trabajó de otra cosa, porque es imposible vivir de la música, tener una familia y pretender que todos coman comida caliente"

(Palabras textuales -o al menos espero que no lo hayan sacado de contexto...-)

El mundo loco, loco de Arturo Brown

2007-06-09T23:40:00.000-07:00

Esta vez, le toca a este grupo inglés de rock psicodélico de fines de los 60's.

Sinceramente, me costó mucho encontrar material... o por lo menos en español (¡ni ganas de traducir choclos y choclos de palabrillas en otro idioma!).

Quize hablar de la banda en sí, pero encontré información del disco que lleva su nombre: "The Crazy World Of Arthur Brown".

Disco que fue lanzado en el año '68, considerado una obra clásica dentro de su género, quién alcanzó el 7º puesto entre las listas. Su "hit" ("Fire") escaló al 2º puesto. En las presentaciones de este tema, Brown solía cantarlo con un casco en llamas.

El álbum incluye covers de Jay Hawkins ("I put a spell on you" ---> ¡excelente versión!) y James Brown.

La lista de temas incluye:

Prelude/Nightmare (Brown)
Fanfare/Fire Poem (Brown, Vincent Crane)
Fire (Brown, Crane, Mike Finesilver, Peter Ker)
Come and Buy (Brown, Crane)
Time/Confusion (Brown, Crane)
I Put a Spell on You (Screamin' Jay Hawkins)
Spontaneous Apple Creation (Brown, Crane)
Rest Cure (Brown, Crane)
I've Got Money (James Brown)
Child of My Kingdom (Brown, Crane)

DATO: En el año '91, el álbum volvió a salir pero en CD, con el agregado de su original "Lado 1" (sus 5 primeras canciones) en sistema mono.

Sus integrantes para este disco fueron:

* Arthur Brown: Voz
* Vincent Crane: Teclados, arreglos
* Sean Nicholas: Bajo, guitarra
* Drachen Theaker: Batería

DATO CURIOSO: El "puesto" del baterista se presta a la confusión ya que Carl Palmer se une al grupo luego de ser realizado el álbum, mientras estaban de gira, desplazando a su batero original. Esto ocurre porque Drachen Theaker estaba demasiado asustado en viajar (me reservo el comentario...).

Luego, en la 2ª gira por EEUU, lo reemplaza Jeff Cutler.

Años más tarde, Arthur Brown formaría Kingdom Come y participaría en algunos discos como invitado o solista.

Si te gustó y te interesa saber más de él (y entendés inglés, claro), te paso 2 páginas para que chequées:

http://www.arthurbrownmusic.com/
http://www.godofhellfire.co.uk/index.htm

Cualquier dato adicional, corrección, insulto (bueno, no ¬¬ ): mail me!.

Agradecimiento especial a VelvetMOOG y Martin_Atom de la Comunidad Floydiana Argentina y a Sweetrw del Y! Respuestas por ayudarme a armar esta historia

"See Emily Play"

2007-04-21T22:50:00.000-07:00

Descubrí este tema y su video por casualidad, en el programa que tuvo Capusotto por estos días: "Peter Capusotto y sus videos" (¡GRAN programa!, lástima que mucha gente prefiera ver a "Gran Hermano 3" y al aparato de Tinelli y que cosas como éstas no funcionen en nuestra TV).

No me maten, pero ahí conocí a Barrett...
Ya sabía su historia de ante mano y esos detalles... pero todavía no lo había visto en "acción".

Comento que el tema me llenó de ternura. Su todo.

Sí... es medio naif, ya sé, pero muy tierno por cierto.

Su letra es simple y su concepto: ¡ternura!. Deja a la interperie ese costado infantil que tenía Barrett. Y ni hablar del video: ¡puros juegos de Mayo!, ¡simplemente divertido!.

Bueno, a modo de "educación musical", les dejo una reseña completa de la canción (rescatada de la Wikipedia en inglés. No es lo mejor, pero es lo que hay). Debajo de ella su video y la traducción al español de su letra.

"See Emily Play"

Single de Pink Floyd, del álbum "The Piper at the Gates of Dawn" (publicado en EEUU y Japón). No publicado en ningún álbum de estudio del Reino Unido.

Lado-B: The Scarecrow
Realizado: 16 de Junio de 1967
Formato: 7"
Grabado: 23 de Feb. de 1967
Género: Rock psicodélico
Duración: 2:53
Sello discográfico: Columbia
Escrita por: Syd Barrett
Producida por: Norman Smith
Posición alcanzada en los charts: #6 (chart británico)

Cronología de los singles de Pink Floyd

"Flaming"
(1967) "See Emily Play"
(1967) "Apples and Oranges"

"See Emily Play" fue el 3er. single grabado por el grupo británico de rock psicodélico Pink Floyd, escrita por su lider original Syd Barrett. Fue grabada el 23 de Mayo de 1967, junto con "Scarecrow" como su lado-B. Luego aparecería en las compilaciones Relics (1971), Works (1983), Shine On (1992) y Echoes: The Best of Pink Floyd (2001).

La canción habla de una nena llamada Emily, quien Barrett alguna vez dijo que vió mientras dormía en el bosque una noche luego de haber tomado una droga alucinógena. Un artículo publicado en la revista Mojo decía "Mira a la Real Emily" ("See the Real Emily") quien supuestamente mostraba una foto de la Emily de Barrett. Barrett más tarde terminó diciendo que la historia acerca de dormir en el bosque y haber visto a la chica tras él fue inventada "... todo por la publicidad". Algunos especulan que Emily es la Honorable Emily Tacita Young (nacida el 13 de Marzo de 1951), hija del Baron Kennet y apodada "la colegiala psicodélica" del Club UFO.

Barrett, informó, que no estaba felíz con el terminado de la canción. Protestó contra su publicación, cuyo productor Norman Smith especuló que Barrett le tenía miedo a su comercialización. Durante las sesiones de grabación de la canción, David Gilmour visitó el estudio, luego de haber sido invitado por Syd. Quedó shockeado en lo que percibió como un cambio en la personalidad de Syd, y Syd no apareció ni siquiera para reconocer a su viejo amigo, a pesar de haberlo invitado allí. Por muchos años Gilmour comentaría sobre este encuentro: "Fuí a la grabación como dije, y ahí fue cuando noto que él había cambiado" ("I'll go on record as saying, that was when he changed").

El trabajo del slide en la canción dicen que fue hecho por Barrett con un encendedor Zippo. El tren dibujado en la portada del single fue dibujado por el mismo Barrett.

En 1968, Pink Floyd viajó a Bélgica donde filmaron un video promocional con un play-back extraño para "See Emily Play", tanto como para "Astronomy Domine", "The Scarecrow", "Apples and Oranges", "Paint Box", "Set The Controls For The Heart Of The Sun", y "Corporal Clegg". Syd Barrett no fue a Bélgica; fue reemplazado por David Gilmour en el play-back de todas las canciones mencionadas.

En Suiza, la canción fue realizada con el formato de 7" y tiene 2 atributos especiales, la etiqueta "CH 01" que hay en el disco y la ballesta de la moneda suiza en la etiqueta con el código del disco.
David Bowie grabó una versión de "See Emily Play" para su álbum "Pin Ups" en 1973. Los suecos The Airwaves grabaron en el año 2006 otra versión para su 2º single, titulada como "Games For May". John Frusciante tocó "See Emily Play" el 31 de Enero de 2007 en Sunrise, Florida en el Bank Atlantic Center durante el show con los Red Hot Chili Peppers.

"See Emily Play" también es conocida como "Games For May", y a veces como "Free Games For May", luego de un concierto gratuito que Pink Floyd, con Barrett, brindó.

Parte de la melodía vocal fue tocada con un mini-moog al final de "Shine On You Crazy Diamond (Partes 6-9)" que está al finalizar el álbum "Wish You Were Here", como tributo a Syd.

El riff que hace el bajo en la canción es similar al usado en "Goodbye Cruel World", del álbum doble de Pink Floyd "The Wall" hecho en 1979.*

**

---------------------------------------------------------
* Traducida por quien les escribe y los gobierna :P
** Encontré comentarios que rondan mucho sobre Gilmour, si está o no en el video (¡ESTA!, ¿está?), y si es él quien canta (¡POR FAVOR!, ¡NO ES EL!). Considero que es Wright, de todas formas, la data que puedan aportar es más que bienvenida!.

"I Am The Walrus"

2007-03-30T17:20:00.000-07:00

Si hay un tema cuya letra sea extremadamente delirante ese es "I Am The Walrus" de The Beatles.

¡Síii, Sr.!.

El mismo fue inspirado por el poema de Lewis Carroll (¡sí!, el mismo del archifamoso "Alicia En El País De Las Maravillas") "La Morsa Y El Carpintero".

La historia cuenta que un tal John Lennon leyó dicho poema de muy pequeño (¡imaginen que todavía estaba en la primaria!) y lo utilizó luego para hacer hermosa canción (conjuntamente con, vaya a saber uno, que sustancia...).

Dicho esto, os dejo aquí con el poema y a continuación, su letra:

La Morsa Y El Carpintero
Por Lewis Carroll, desde 'A Través Del Espejo Y Lo Que Alicia Encontró Allí', 1872

¡Brillaba el sol sobre la mar!
Con el fulgor implacable de sus rayos
se esforzaba, denodado, por aplanar
y alisar las henchidas ondas;
y sin embargo, aquello era bien extraño
pues era ya más de media noche.

La luna rielaba con desgana
pues pensaba que el sol
no tenía por qué estar ahí
después de acabar el dia...
--¡Qué grosero! --decia con un mohín--
¡venir ahora a fastidiarlo todo!--

La mar no podía estar más mojada
ni más secas las arenas de la playa;
no se veía ni una nube en el firmamento
porque, de hecho, no había ninguna;
tampoco surcaba el cielo un solo pájaro;
pues, en efecto, no quedaba ninguno.

La morsa y el carpinterose paseaban cogidos de la mano:
lloraban, inconsolables, de la pena
de ver tanta y tanta arena.
¡Si sólo la aclararan un poco,
qué maravillosa sería la playa!

--Si siete fregonas con siete escobas
la barrieran durante medio año,
¿te parece --indagó la morsa atenta--
que lo dejarían todo bien lustrado?--
--Lo dudo-- confesó el carpintero
y lloró una amarga lágrima.

¡Oh ostras! ¡Venid a pasear con nosotros!
requirió tan amable, la morsa.
--Un agradable paseo, una pausada charla
por esta playa salitrosa:
mas no vengáis más de cuatro
que más de la mano no podriamos--

Una venerable ostra le echó una mirada
pero no dijo ni una palabra.
Aquella ostra principal le guiñó un ojo
y sacudió su pesada cabeza...
Es que quería decir que prefería
no dejar tan pronto su ostracismo.

Pero otras cuatro ostrillas infantes
se adelantaron ansiosas de regalarse:
limpios los jubones y las caras bien lavadas
los zapatos pulidos y brillantes;
y esto era bien extraño
pues ya sabéis que no tenían pies.

Cuatro ostras más las siguieron
y aún otras cuatro más;
por fin vinieron todas a una
más y más y más... brincando
por entre la espuma de la rompiente
se apresuraban a ganar la playa.

La morsa y el carpintero
caminaron una milla, más o menos,
y luego reposaron sobre una roca
de conveniente altura;
mientras, las otras las aguardaban
formando, expectantes, en fila.

--Ha llegado la hora --dijo la morsa--
de que hablemos de muchas cosas:
de barcos... lacres... y zapatos;
de reyes... y repollos...
y de por qué hierve el mar tan caliente
y de si vuelan procaces los cerdos.

--Pero ¡esperad un poco!-- gritaron las ostras--
y antes de charla tan sabrosa
dejadnos recobrar un poco el aliento
¡que estamos todas muy gorditas!
--¡No hay prisa!-- concedió el carpintero
y mucho le agradecieron el respiro.

--Una hogaza de pan --dijo la morsa--,
es lo que principalmente necesitamos:
pimienta y vinagre, además, tampoco nos vendrán del todo mal...
y ahora, ¡preparaos, ostras queridas!,
que vamos ya a alimentarnos.

--Pero, ¡no con nosotras!-- grítaron las ostras
poniéndose un poco moradas;
--¡que después de tanta amabilidad
eso sería cosa bien ruin!
--La noche es bella --admiró la morsa--
¿no te impresiona el paisaje?
--¡Qué amables habéis sido en venir!
iY qué ricas que sois todas!--
Poco decía el carpintero, salvo--
¡Córtame otra rebanada de pan!,
Y ojalá no estuvieses tan sordo
que, ¡ya lo he tenido que decir dos veces!--

--¡Qué pena me da --exclamó la morsa--
haberles jugado esta faena!
¡Las hemos traído tan lejos
y trotaron tanto las pobres!
Mas el carpintero no decía nada, salvo--
¡Demasiada manteca has untado!--

--¡Lloro por vosotras!-- gemía la morsa.
--¡Cuánta pena me dais!-- seguía lamentando
y entre lágrimas y sollozos escogía
las de tamaño más apetecible;
restañaba con generoso pañuelo
esa riada de sentidos lagrimones.

--¡Oh, ostras!-- dijo al fin el carpintero.
--¡Qué buen paseo os hemos dado
os parece ahora que volvamos a casita?--
Pero nadie le respondía...
y esto sí que no tenía nada de extraño,
pues se las habían zampado todas.

*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*++*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*

Yo Soy La Morsa

Yo soy él mientras tú eres él mientras tú eres yo y estamos todos juntos
Mira cómo corren como cerdos ante un rifle
Mira cómo vuelan
Estoy llorando

Sentado en un copo de maíz
Esperando a que venga el furgón
Camiseta de la corporación,
Estúpido Jueves sangriento
Fuiste un niño travieso
Dejaste que tu cara se alargue

Yo soy el hombre huevo, nosotros somos los hombres huevo
Yo soy la morsa, goo goo g'joob

Señor policía de la ciudad
El precioso policía sentado en fila
Mira cómo vuelan
Como Lucy en el cielo
Mirá cómo corren, estoy llorando
Estoy llorando, estoy llorando, estoy llorando

Un montón de mostaza amarilla
Chorreando del ojo de un perro muerto
Agarra un pez-esposa, sacerdotiza pornográfica
Hombre, has sido una chica traviesa
Dejaste caer tu bombacha

Yo soy el hombre huevo, nosotros somos los hombres huevo
Yo soy la morsa, goo goo g'joob

Sentado en un jardín Inglés esperando que llegue el sol
Si el sol no sale tendrás tu bronceado de estar bajo la lluvia inglesa

Yo soy el hombre huevo, nosotros somos los hombres huevo
Yo soy la morsa, goo goo g'joob, goo goo g'joob

Expertos, texpertos, fumadores asfixiados
¿No pensas que el bufón se ríe de vos?
Mira cómo sonríen, como cerdos en una pocilga
Mira cómo gruñen, estoy llorando
Sardinas de sémola
Escalando la Torre Eiffel
Pingüinos elementales, cantando Hare Krishna
Hombre, deberías haberlo visto pateando a Edgar Allan Poe

Yo soy el hombre huevo, nosotros somos los hombres huevo,
Yo soy la morsa, goo goo g'joob, goo goo g'joob goo goo g'joob goo goo g'joob.

*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*++*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*+*

Ahora... ¿expliquenmé qué relación encuentran entre el poema y la letra?. No es semejante la coincidencia más que el "... estoy llorando", como lo está el carpintero en el poema.

Seguramente Lennon (como cada uno de nosotros) lo interpretó a su mejor manera posible y escribió de ella lo que quizás pueda ser una asociación con la actualidad social de aquel entonces, por ejemplo.

O simplemente tomó lo que lo inspiró y lo llevó al nivel que sintió o quizo tuviera.

Who knows?...

En fin, ambos relatos son igual de bellos y tienen esta belleza donde te parezca o quieras encontrarla.

Versiones en inglés tanto del poema como del tema: mail me!.

Roger Waters, The Dark Side Of The Moon, 18/03/07, River Plate, Bs. As., Argentina

2007-03-22T18:48:00.000-07:00

¿Cómo se puede describir esa sensación, cuando creés que tu alma te abandona, para pasar a formar parte de las melodías que transitan por

el aire?.

Ese aire que es tan tuyo como de las miles de personas que tenés a tu alrededor. Cuando sentís que te estás por caer... pero no hacia la nada, sino hacia el todo.

Ese todo que se llama música, ese todo que te vuela la cabeza, ese todo que te rompe el corazón, ese todo que emociona hasta la última de tus terminales nerviosas...

Todo esto sentí, y muchas cosas más que no puedo describir, sino tan sólo sentir, en este recital esperado, TAN expectante de todo!.

***

Llegando a la cancha, había llevado mi grabador para conservar en mi memoria y mis oídos estas hermosas canciones, aunque temerosa de que algún guardía ortiva lo descubriese y me lo confiscase, jeje... afortunadamente no fue así y pude grabar la mitad del recital, por lo menos... que duró sus modestas 3 HORAS!!! (hubiera querido más...).

¡Al entrar al estadio me sentí TAN felíz!, ¡ya estaba ahí!, ¡que más podía pedir!. Aunque ya dentro de la cancha, tomé consciencia que el campo no fue la mejor opción (pero así tampoco fue la peor), y traté de buscar el "mejor" lugar para ver...

Solamente restaban 15' para que comience el viaje, ¡y fueron insoportables!, aunque sea, para matar el tiempo, pasaron buenos temas. Calculo que los primeros que escuché serían de algún trabajo solista de Waters, y los siguientes fueron temas de rock de los 50': tenías a Elvis Presley, a Cuck Berry, también pasaron "My Funny Valentine" :)

En fin, mataron bien el tiempo.

¡Ya son las 21:15!: y largarooon!!.

Con un sonido de radio, intentando sintonizar un dial hasta que ésta encontró "In the flesh" (raro que una FM sintonice un tema así, je... no pude evitar pensar esto y quejarme por nuestras radios...).

¡Ese sonido cuadrafónico del que tanto se hablaba no era la locura!, no me invadía como quería, aunque sí lo hizo cuando sentías unos sonidos que venían de atrás tuyo, ¡sonidos que rompían todos los esquemas!: ¡de golpe un relámpago! ¡o el sonido de una ambulancia!; ¡te cagabas todo o te parecía una locura adorable!, y ¡prefería esa locura adorable que te asustaba y por otro lado querías más de ella!.

Hasta la 1er. parte, el set-list fue:

1. In the flesh
2. Mother
3. Set the controls for the heart of the sun
4. Shine on you crazy diamond
5. Have a cigar
6. Wish you were here
7. Southampton dock
8. The Fletcher memorial home
9. Perfect sense
10. Leaving Beirut
11. Sheep

Fue con "Sheep" dónde largaron al famoso cerdito rosado, ¡que no lo soltaron un carajo!, y ¡debe ser TAN grande que estando lejos lo veía enorme!.

Paralelamente al cerdito, en la pantalla se veía la imagen de éste entre 2 torres (la fábrica, je), aquellos años dorados de los Floyd... (?). Sobre el mismo (el real) estaba inscripta la leyenda "¿Dónde está Julio López?. NUNCA MAS".

Confieso que verme envuelta en esto, sentir que, lejos en el tiempo, pude formar de alguna extraña manera parte de la historia de Pink Floyd, y leer estas cosas remitiéndome a todo lo que pasó en Argentina por los años 70', recordando las hijaputeces que hicieron y pasaron, hicieron que se me piantara un lagrimón...

***
FIN DE LA 1ER. PARTE.
***

15' que usé para encontrar una mejor ubicación, siendo que en el campo ya no veía nada.
¡Y se vino la 2da. parte!: "The Dark Side Of The Moon".

"¡Che, pelotudo!", se escucha mi voz en la cinta que grabé, dirigiéndome amablemente al caballero de seguridad que cordialmente se puso delante de nuestros ojos que ¡¡NECESITABAN VER EL SHOW!!...

Fue con "On the run" que de esa enorme pantalla detrás de los músicos veías la luna, ya no con su color natural, sino con diversos colores e imágenes, figuras superpuestas, al ritmo de la música: ¡una locura!, ¡te perdías! (¡también perdías la cabeza!). ¡¡Altamente hipnótico!!.

Como es usual, el solo de "The great gig in the sky" fue hermoso!, aunque, no me peguen, escuché mejores... ¡Sí!, la negra fue una diosa, pero nunca como la original, ni como la flaca de la banda tributo Argentina Ummagumma que escuché este verano... ¡¡¡y las 2 son blancas!!!, algo que no entiendo....

Con "Eclipse" bajan un prisma desde el techo y a través de él unos lasers, simulando la vieja tapa del "The Dark Side...".
A penas lo veo bajar, no llegaba a entender de dónde venía este prisma, hasta que, colgada en su imagen, salgo de esta especie de hipnósis cuando escucho que alguien dice "¡¡NOOO!!, ¡¡¡mirá eso!!!": sí, los lasers habían pasado por las butacas dónde estábamos, tocando a cada uno de nosotros... lástima que ya había sido tarde para mí... tan sólo sentí su calor.

En estos momentos, el estadio es invadido por aplausos... y ¡no es para menos!.

Te paso el set-list de esta 2da. parte (aunque creo que es un poco...):

1. Speak to me
2. Breathe
3. On the run
4. Time/ Breathe (reprise)
5. The great gig in the sky
6. Money
7. Us and them
8. Any colour you like
9. Brain Damage
10. Eclipse

A partir de ahí, salí practicamente corriendo al campo, quería estar para los bises y ya estaba re pasada (¿¿el porro en verdad te pega siendo ahí su fumadora pasiva??... ¡jamás había visto tanto junto!, ¡ja! ¡que ilusa!).

Se vino "Another brick in the wall". Hacía mucho que no la pasaba tan bien!!, la grité, la canté, la salté, todo, todo!!, me cagué de risa también... nosé por qué, jaj.

Y para finalizar "Comfortably numb" (¡no podía faltar!). ¡Hermosa!.

¿Sus músicos?: ¡¡IMPERDIBLES!!. Estos fueron:

Andy Fairweather-Low en guitarra, bajo y coros
Snowy White en guitarra
Dave Kilminster en guitarra, coros y bajo (sólo en algunos temas)
Jon Carin en teclados, sintetizador, guitarra y voz (ya había tocado en el disco "P.U.L.S.E.")
Graham Broad en batería y percusión
Ian Ritchie en saxo y bajo
Harry Waters en sintetizador y órgano Hammond
Katie Kissoon, P. P. Arnold y Carol Kenyon en coros

Y bueno, así terminó mi día loco, que empezó a las 18:45, momento en el que me subí al colectivo, para llegar a casa a la 01:45.

Pero todo valió la pena: ¡TODO!.

Para más información acerca del tour entrá a Brain Damage

Gracias a Silvina de Y! respuestas por la info extra!

David Gilmour te enseña a tocar "Breathe"

2007-03-10T17:20:00.000-08:00

Sí!, el mismísimo Mr. Gilmour te enseña a tocar "Breathe" (de "The Dark Side Of The Moon").

Espero que les sea de utilidad, y mejor aún, si pueden entender su inglés o al menos los "ejemplos" que dá.

Un dato que puedo aportar: según lo que averigüé la guitarra que usó para la grabación de este disco fue una Bill Lewis (la misma que usó para "Meddle").
Ni hablar del pedal... "lola"

Algún dato extra será bienvenido :)

"Smoke on the water". Músicos varios.

2007-02-16T14:20:00.000-08:00

Comenzando por este video:

Dos de los mejores guitarristas de la historia del rock: Brian May y David Gilmour. ¡Tomá mate!.

Luego surgió la joyita final:

Junto a otros músicos de la talla como Ian Gillan, Tommy Iommi, Roger Taylor, entre otros.

Si no tengo mal entendido, éste evento se realizó para el Rock Aid Armenia.

Algo para no perderse...

Aportes: Comunidad Floydiana Argentina

2007-02-10T13:47:00.000-08:00

Σας αγαπώ. Μου δώστε τη ζωή.

¡Que la diosa nos guíe!